El
texto dramático
El texto
dramático es un texto escrito, de carácter literario, dispuesto para una
representación en un escenario. Es un elemento que forma parte de un proceso de
comunicación, que se dirige a la representación y a la lectura.
En el teatro,
el acto comunicativo se complica bastante; en principio existen tres emisores
(autor, director, actores) y la obra (parte del mensaje) se desdobla en dos
textos: el texto literario (dramático, pues contiene dramaticidad, un carácter
que comparte con la narración y con la lírica), y texto espectacular (teatral,
pues representa la teatralidad, exclusiva de él como texto dramático y de la
representación). También el receptor es complejo, porque se desdobla en lector
(individual) y espectador colectivo (público).
Una
definición del texto dramático podría ser ésta: un texto escrito en forma
dialogada, preparado para una representación, en un proceso de comunicación en
el cual los elementos fundamentales se desdoblan. En la representación, los
personajes ficticios creados por el autor y representados por los actores,
entran en contacto directo con los receptores, el público.
La condición
del texto dramático está marcada precisamente por el hecho de su finalidad, es
decir, porque está destinado a su representación. Los elementos no verbales
están incluidos, propuestos o sugeridos por el propio texto dramático (mímica,
entonación, gestos, etc.). En la representación, por otra parte, se confunden
el tiempo de la acción significada y el de la acción representada, con un uso
específico del presente y del estilo directo.
El texto
dramático contiene, además, acotaciones, que se relacionan con el diálogo e
indican las condiciones de la situación. Por tanto, es un texto muy
diferenciado de otros textos literarios, como la novela o el poema.
El texto
dramático está formado sólo por palabras escritas, pero parte de ellas se
destinan a la realización oral (diálogo) y otras (acotaciones) se transforman
en signos no verbales que aparecerán simultáneamente a los signos verbales. Sin
embargo, en el propio diálogo hay referencias continuas a las acciones,
movimientos, gestos y situaciones. Los diálogos se presentan en el escenario en
su forma oral y en el entorno que exigen según su significado: tono, timbre,
entonación, gestos, etc. El diálogo desarrolla la historia escenificada sin
aludir directamente a la situación inmediata, mientras que las acotaciones
diseñan la escenografía e informan acerca de movimientos, objetos escénicos,
vestuario, etc. Se considera que las acotaciones tienen un valor funcional para
la puesta en escena y que por lo general carecen de valor literario, valor que
se reconoce al diálogo. Pero en ocasiones las acotaciones se integran en la
obra con valor estético o literario, de modo que cumplen una doble función: la
práctica o funcional para la puesta en escena y la estética, dirigida al lector
individual.
La
representación es la realización en el tiempo de unas posibilidades
virtualmente contenidas en el texto dramático; por realizarse en el tiempo, no
queda fijada. Se confía a un grupo de diferentes productores (técnicos y
artistas), mientras que el director de escena coordina a todos ellos y sus
producciones y controla la unidad general. Cada elemento carece de autonomía,
pues forma parte de una unidad total previa desde la que se organizan los
diferentes textos aportados (luz, sonido, colores y formas, etc.). El texto
totalizador que presenta un director en una puesta en escena concreta es el
resultado de jerarquizar en una unidad coherente todos los textos o signos
parciales. El texto es un hecho estable, la representación es un acto que
realizan los actores en un tiempo y espacio determinados, y al finalizar
desaparece. Para aclaración de este concepto, vale el ejemplo de la música; una
partitura permanece estable, mientras que las interpretaciones diferentes y
puntuales son temporales y cambiantes. En este sentido, el texto dramático
puede considerarse una “partitura” dispuesta para su interpretación puntual.
caracteristicas
Tres
características tiene el texto dramático en su relación con la representación:
Precede a la
representación, que se realiza a partir del texto.
Permanece
igual en su forma, mientras que la puesta en escena o representación puede ir
variando a lo largo del tiempo.
Persiste
después de la representación sin que ésta le haya influido en su forma.
La valoración
teórica y práctica del texto dramático respecto a sus relaciones con la
representación ha tenido diferentes consideraciones a lo largo de la historia
literaria y teatral:
Se ha concebido
y realizado la representación como una simple traducción y forma de transmisión
del texto.El texto se ha considerado un mero pretexto para la creación de una
obra del director de escena.
La
representación se ha visto como un mensaje emitido en varios códigos y de
múltiples niveles jerarquizados, que va más allá del texto escrito.
Representación
y texto se han considerado unidades autónomas por completo.
A lo largo de
la historia y hasta muy recientemente, el texto escrito ha tenido supremacía en
las creaciones y en la historia teatral, pues la representación se veía como
algo eventual, lo que hacía olvidar sus valores en beneficio de la palabra
escrita. Actualmente, en posiciones al otro extremo, se da prevalencia a la
representación. Sin embargo, hay que considerar que la teatralidad no se limita
a la puesta en escena, sino que pertenece también al llamado “texto
espectacular”, que es paralelo al texto literario o dramático. La teatralidad
nace de todo el conjunto.
No se concibe
el teatro sin palabra interior o exterior; no hay representación sin texto,
pues entonces se trataría de otro tipo de espectáculo, pero tampoco se concibe
un texto dramático, real o virtual, que no se disponga a la representación,
pues entonces se trataría de otro género literario.
Subgéneros
dramáticos
Desde la Antigüedad, las formas
dramáticas fundamentales han sido la tragedia y la comedia. A ellas se puede
añadir una forma intermedia: la tragicomedia o drama.
La
tragedia: es una
obra de final desgraciado protagonizada por personajes que luchan contra el
destino y la fatalidad sin lograr vencerlos. Un ejemplo de ello lo constituye
el desenlace de El tragaluz, de Antonio Buero Vallejo:
EL PADRE. ¡No!...
¡No!...
(Tampoco se oyen sus crispadas negaciones. En pie y tras su hijo, que sigue
profiriendo palabras inaudibles, empuña las tijeras. Sus labios y su cabeza
dibujan de nuevo una colérica negativa cuando descarga, con inmensa furia, el
primer golpe, y vuelven a negar al segundo, al tercero [...])
VICENTE. ¡Padre!
Antonio
Buero Vallejo
La comedia
es una obra de tono amable, asunto ligero, divertido o de enredo y final feliz,
que suele incluir elementos humorísticos, tal como se puede comprobar en esta
conversación absurda incluida en una obra de Enrique Jardiel Poncela:
Eloísa está
debajo de un almendro. Enrique Jardiel Poncela.
EDGARDO. ¿Le
molestan las personas nerviosas, de genio destemplado y desigual, excitadas y
un poco desequilibradas?
LEONCIO. Esa clase de personas me encanta, señor. [...]
EDGARDO. ¿Le extraña a usted que yo lleve acostado, sin levantarme, veintiún
años?
LEONCIO. No, señor. Eso le pasa a casi todo el mundo.
Enrique
Jardiel Poncela
La
tragicomedia o drama:
Las obras que presentan de manera conjunta características de las tragedias y
de las comedias se suelen denominar tragicomedias o dramas.
Este es el
caso de la Tragicomedia
de Calisto y Melibea, más conocida como La Celestina, de
Fernando de Rojas:
SEMPRONIO. ¿Tú
no eres cristiano?
CALISTO. ¿Yo? Melibeo soy y a Melibea adoro y en Melibea creo y a Melibea
amo.
SEMPRONIO. Tú te lo dirás. Como Melibea es grande, no cabe en el corazón de
mi amo, que por la boca le sale a borbollones. No es más menester. Bien sé de
qué pie cojeas. Yo te sanaré.
CALISTO. Increíbe cosa prometes.
SEMPRONIO. Antes fácil. Que el comienzo de la salud es conocer hombre la
dolencia del enfermo.
La Celestina, de Fernando de Rojas
Drama
El término
drama proviene del griego δράμα y
significa "hacer" o "actuar". Suele llamarse drama
únicamente a aquella obra que incluye ciertos elementos, especialmente cuando
tiene un "final trágico", pero el término hace referencia también a
las obras cómicas (al menos en la cultura occidental, donde se considera que
nació del término drama) y además incluye, pues, la tragedia y la comedia. Posteriormente, el drama se divide
en géneros realistas y géneros no realistas; entre los primeros quedaron
inscriptas la tragedia y la comedia ya existentes, y en el siglo XX vino a agregarse la pieza
de teatro y entre los segundos, el melodrama, la obra didáctica y la tragicomedia, reconocidos como tales desde
el Renacimiento. Además, a esto se suma la farsa,
considerada como género imposible.
Algunos
teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el drama y
el teatro, de los cuales el primero es la versión
constituida en lo absoluto por elementos lingüísticos, formando parte entonces
de lo que se considera un género literario,
cuya particularidad es el predominio de la función apelativa del lenguaje, la
ausencia de un mediador (intérpretes, actores) entre el mundo creado (la
realidad ficticia) y el lector y la posibilidad virtual de ser representado.
El teatro es
la concreción del drama e incluye la actuación, la música, etc. Es decir,
elementos que no le son propios al drama como realidad lingüística acotada
solamente al discurso. El análisis de un drama puede hacerse desde la crítica literaria,
mientras que el análisis del teatro debe incluir factores como la actuación, la
evaluación del espectáculo, los músicos, la iluminación, etc.
Se puede
añadir la precisión, desde la perspectiva de la etnoescenología,
campo interdisciplinario que estudia los fenómenos y comportamientos humanos
espectaculares organizados (PCHSO) del teatro, que es un subgrupo dentro del
conjunto de formas espectaculares organizadas. Se pueden distinguir tres
aspectos claves dentro del análisis de una forma espectacular: la espectacularidad,
la performatividad y
el fenómeno de relación
simbiótica o de empatía que se
construye en la relación con el público (Pradier, 1996).
La
pertinencia de la evaluación de estos aspectos del teatro como forma
espectacular reside en el hecho de que toda forma espectacular responde a un
contexto social. En este sentido, la dramaturgia y su manifestación espectacular
por medio del teatro se organizan por medio de códigos que no son universales
pero que son particulares a un contexto histórico y cultural.
Tragicomedia
Es una obra
dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y cómicos: También se le
conoce como pieza, porque se parece a dicho concepto; generalmente en
estos están sintetizados las características de una clase social, por lo que
también se le denomina género psicológico.
Uno de los
géneros literarios es el género dramático, es decir, el conjunto de las obras
formadas por un texto escrito en prosa o verso, en forma de diálogo, y que
tiene como objetivo el ser representado en algún tipo de escenario.
A su vez, el
género dramático se divide en subgéneros, y uno de ellos es la Pieza.
Una pieza es una obra literaria del tipo realista, en donde la situación y los
personajes están claramente presentados. Si bien en lo que se relata y expone
hay cambios inesperados, ellos son lógicos y explicables, y el suspenso va en
continuo aumento, llegando por momentos a clímax con intensas emociones. La
resolución o conclusión de la obra es consecuencia de los actos y de las
situaciones planteadas con bastante claridad y sin ambigüedades, y como ya se
dijo, los actos de los personajes son verosímiles.
En la Grecia clásica,
el drama satírico o la tragicomedia suele tratar un tema legendario,
aunque con efectos cómicos protagonizados, fundamentalmente, por el coro. Los
dioses no intervienen en la muerte de los hombres y puede haber más de una
acción al mismo tiempo.
La
tragicomedia estrictamente no tiene que ver con una combinación de lo trágico y
lo cómico. Se le nombró así desde la Celestina, ante la imposibilidad de ubicar a este
tipo de obras dentro de los dos grandes géneros conocidos (tragedia y comedia), y no porque fuera una
mescolanza de ambos.
La
tragicomedia principalmente va a mostrar la trayectoria del héroe tragicómico,
que tiene un objetivo que perseguir (el amor, la justicia, la ambición, un
trono, etc) y de cómo éste lo consigue o no pasando por una serie de obstáculos
para llegar a su fin. Si los obstáculos se presentan como positivos, es decir
que parece que lo acercan cada vez más a su objetivo, más que obstáculos son
como pruebas superadas, el final será negativo; si los obstáculos son
negativos, parece que le impiden llegar a su objetivo, y por lo general el
final será positivo y alcanzará su objetivo.
Su creador
fue Lope de Vega cuando rompe las estructuras del teatro
aristotélico. Lope se niega a obedecer las unidades, y entonces crea la
tragicomedia.
comedia
La comedia
es una rama del género dramático que principalmente se
caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las
dificultades de la vida cotidiana y por eso ellos enfrentan las dificultades
haciendo reír a las personas o a su "público", movidos por sus
propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace escarnio de la
debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va
desarrollando a lo largo de medievo
y la Edad Moderna, hasta llegar a nuestros días.
Como los
demás géneros dramáticos, la comedia está determinada por la acción dramática del personaje
protagonista; de ahí que no sea extraño encontrar personajes con un rol trágico
en comedias, siempre y cuando estos sean, por decirlo de algún modo, personajes
secundarios.
Como
características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también crédulo e inconsciente y, a
diferencia de la tragedia, donde el personaje
protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje
protagónico considera su moral como una cualidad no muy importante, lo que le
permite ser muy vital, aunque esto es más bien un obstáculo para el personaje.
Por ello, su conflicto dramático
suele ser, las más de las veces, con la sociedad, además de consigo mismo, por
lo que lucha por superar los obstáculos que le impiden realizarse consigo mismo
o con esa misma sociedad.
La comedia
es, junto con la tragicomedia, una de las formas
clásicas del drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas.
El texto teatral presenta unas
características muy especiales en tanto en cuanto no es un texto con validez
por sí mismo, como ocurre con la poesía y la novela. Está pensado y escrito
como texto para la representación, independientemente de que sea o no
representado. El autor desaparece por completo, cediendo la voz a sus personajes,
que deberán ser interpretados por actores, con vestuario, escenografía,
"atrezzo", iluminación, música, efectos, etc, (siguiendo las
indicaciones que el dramaturgo ideó ). No siempre se consideran estos
aspectos en el comentario dramático, que suele reducirse a un comentario
literario, del texto, sin atender a los otros factores que, sin ser
estrictamente literarios, están de forma implícita ( a veces más que explícita
) en el texto.
Para el comentario del texto dramático habrán de seguirse los siguientes
puntos:
A.- Estructura externa.
B.- Estructura interna.
Acotaciones.
Espacio-Tiempo.
Convenciones teatrales
Diálogo.
Conflicto
Personajes
C.-
Lenguaje Literario
A.-
ESTRUCTURA EXTERNA.
Consiste en separar los elementos textuales (las palabras que se dicen en
escena) de los no textuales (reciben el nombre de acotaciones
escénicas). Las acotaciones escénicas suelen presentarse ( en
cursiva entre paréntesis ). No siempre es así. Luces de bohemia
presenta las acotaciones en párrafos independientes, en cursiva; si bien las
acotaciones de esta obra son las más singulares de todas.
La descripción de la escenografía suele hacerse al comienzo
de cada obra, cuadro, acto o escena, dependiendo de si va cambiando o se
mantiene fija. No suele presentar una tipografía especial, aunque muchas
ediciones de obras dramáticas la ponen en cursiva. Como el texto aparece antes
del comienzo del diálogo, su reconocimiento no presenta problema alguno.
B.-
ESTRUCTURA INTERNA
Más que de una estructura interna, se trata de analizar aquellos elementos
relevantes formalmente en un texto dramático. Se exponen a continuación.
ACOTACIONES.
Su finalidad es servir de guía para
la escenificación de la obra. Debieran, por ello, tener un carácter objetivo,
señalando los elementos imprescindibles para el desarrollo de la escena. A
veces, la preocupación de los dramaturgos les lleva a convertirse casi en
escenógrafos. La precisión y minuciosidad de algunos (Buero Vallejo, Mihura )
contrasta con la parquedad de otros ( Lorca, Benavente ). Ya desde aquí podría
observarse la diferente consideración que los elementos escénicos tienen para
unos y otros. Aun así, esta objetividad se cumple en muchas acotaciones de sus
respectivas obras.
Pero también es muy cierto que se
supera esa finalidad y carácter en muchas de ellas. Se convierten en acotaciones literarias, donde no sólo están presentes esos apuntes escenográficos,
sino que además se añaden otros propios de cualquier texto literario.
Frecuentemente, en estos casos, se olvidan unos en favor de otros y viceversa.
Habría que establecer el valor escénico de estas acotaciones atendiendo
a la posibilidad o imposibilidad de representación. Y, a continuación, señalar
sus valores literarios, para lo cual habría que aplicar las
características del lenguaje literario, especialmente las referentes a la
descripción narrativa . Este planteamiento se puede aplicar a Luces de
bohemia. Sus acotaciones no sólo tienen un valor escénico (
frecuentemente olvidado ) sino un valor literario indiscutible; recorren un
doble camino: por un lado, son manifestación de la mejor prosa
descriptiva modernista; por otro, abren nueva vía de expresión al esperpento.
Ello implicaría, tal vez, la posibilidad de recorrer ese doble camino desde un
punto de vista escénico.
Entre ambos extemos, hay
acotaciones escénicas que manifiestan la subjetividad, o cuando menos, un
cierto punto de vista del dramaturgo. Algunas acotaciones de Tres
sombreros de copa se dejan contagiar del carácter humorístico, absurdo,
infantil, de la obra. El sueño de la razón presenta acotaciones
que incorporan arcaísmos léxicos o gramaticales que serían propios del diálogo.
COORDENADAS
ESPACIO-TEMPORALES.
Desde
que en el siglo XVI, los preceptistas italianos fijaran las tres unidades
dramáticas, el espacio y el tiempo se han convertido en caballo de batalla en
todas las épocas, bien por su sometimiento, bien por la ruptura total con las
mismas.
La unidad de lugar
exige un solo espacio dramático. Normalmente se ha respetado, porque
implica, en la representación, una sola escenografía. En ocasiones, se recurre
a dos o tres espacios dramáticos distintos, en función de los actos en que se
divida la obra. Luces de bohemia,
al estar dividida en escenas, es la obra que más espacios diferentes presenta,
cada uno con un valor diferente, como se señalaba más arriba. Al tratarse de un
comentario de un fragmento, no una obra entera, difícilmente aparecerán estas
problemas en el texto.
Ahora bien la importacia del espacio dramático radica en los
valores significativos que se pueden asociar al mismo. Algunos de ellos pueden
proceder de la descripción inicial de los mismos en las acotaciones iniciales. No habría que insistir
en ello si no apareciera en el fragmento. Pero también se puede ir modificando
a través de la visión que de ese espacio tienen los distintos personajes,
reflejado en los diálogos. Un mismo
espacio dramático puede tener, en una misma escena, significados muy diferentes
para dos personajes. En La casa de Bernarda Alba, el espacio
dramático va acentuando, a medida que avanza la obra, la opresión en las
diferentes hijas de Bernarda y no todas la sienten de la misma forma. El mismo
título señala ya la importancia que tiene ese espacio cerrado dentro de la
concepción de la obra. El sueño de la razón
modifica constantemente el espacio escénico, aun siendo la misma escenografía,
mediante la proyección de diferentes cuadros de Goya. Consecuentemente, los
valores significativos cambian también. Tres sombreros de copa
presenta un único espacio, con una determinadas características iniciales. La
irrupción de Paula en la habitación de Dionisio cambia radicalmente el
valor del espacio escénico.
La unidad de tiempo establece la
duración del tiempo interno de la obra en 24 horas.( El tiempo externo
de la obra siempre viene a ser el mismo, pues una representación no suele durar
más allá de las dos o tres horas). Desde Lope de Vega, es la regla menos
aceptada. Generalmente, se han utilizado los entreactos, o los cambios de
escena, para hacer pasar el tiempo conveniente al desarrollo del conflicto.
El tiempo dramático viene establecido, a veces, en las acotaciones iniciales de cada obra o escena.
También es frecuente que venga dado por el diálogo
de los personajes. Además, hay que considerar que el tiempo tiene que ver
también con un tiempo psicológico, en
cuanto afecta a los personajes. En las obras dramáticas, los cambios de
actitud, las reacciones ante determinados hechos o palabras, son rapidísimos.
Eso jamás sucedería en la vida corriente. En este sentido, se podría hablar de
una concentración temporal. En Tres sombreros de copa Dionisio
cambia su personalidad, profesión, nombre, todo, en apenas un minuto: el tiempo
de ver contemplada a Paula a través de un espejo.
CONVENCIONES
TEATRALES
El
lenguaje dramático tiene establecidas unas convenciones entre la representación
y el espectador. La más utilizada de todos es el aparte,
que no es frecuente en las obras seleccionadas. Un personaje pronuncia unas
palabras que oye el espectador y, evidentemente, los actores que están en ese
momento en escena, pero no los personajes que representan. El espectador conoce
así más elementos que los personajes. En el teatro del Siglo de Oro se
convirtió en recurso muy utilizado. El aparte suele reflejarse poniendo entre
paréntesis las palabras del personaje y conlleva una determinada actuación, en
connivencia siempre con el público.
Sin llegar a esos límites, más cercano a una verosimilitud
dramática, alguna frase de la
Poncia, en La casa de Bernarda Alba podría
tener este valor.
Un caso curioso es
El sueño de la razón. Ante Goya, los actores "dicen"
una serie de frases ( palabras que se dirían en escena y aparecen reflejadas en
texto ) que no llegan a emitir, sólo se limitan a hacer el movimiento de los
labios, acompañado de gesticulaciones semejantes al lenguaje de los sordos. Es
una manifestación más de la distancia que hay del texto dramático a la representación.
Con ello, el dramaturgo pretende que contemplemos la escena desde "el
punto de oído" del personaje principal: Goya, cuya sordera en los últimos
años de su vida, era casi total.
DIÁLOGO
Es el único medio que presenta el texto teatral. La
intervención de cada personaje viene antecedida de su nombre, pero no
aperecería en la representación. Todas las posibilidades expresivas y figuras
literarias se reducen a él. Mediante el diálogo se debe analizar el conflicto
dramático y el carácter y actitud de los personajes
Conflicto.
Es elemento de análisis fundamental en todo fragmento
dramático. El conflicto hace referencia a las fuerzas
contrapuestas que hacen avanzar el desarrollo argumental del drama.
Sin conflicto no hay teatro. Aparececerán dos posturas contrarias, que habrá
que descubrir. Pueden manifestarse explícitamente ( están casi siempre
presentes en cualquier escena de La casa de Bernarda Alba ) o
hallarse implícitas en otras situaciones, anteriores o posteriores, de la obra.
En Tres sombreros de copa aparecen siempre enfrentados un mundo
convencional, aburrido, pero seguro, frente a un mundo alegre, divertido, pero
lleno de miseria.
Personajes.
La caracterización de los personajes viene dada por el lenguaje que utilizan. Ya quedaban expuestos
en el comentario narrativo, donde se pueden consultar.
A ello hay que sumar, si aparecieran en el texto ( en las
acotaciones o en los datos que aporte el diálogo ), las referencias a su características físicas, psíquicas, vestuario,
etc. Valle-Inclán apenas define las características físicas o psíquicas; es
más, apenas hay referencias al personaje mismo, sino que estos quedan definidos
por su vestuario, reducidos esperpénticamente a dos o tres prendas de su
vestimenta. Lorca enfrenta el vestido verde de Adela, o las flores con que
aparece Mª Josefa, al negro que todas se ven obligadas a llevar por imposición
de Bernarda.
C.-
LENGUAJE LITERARIO.
De nuevo el lenguaje literario puede consultarse. Y de nuevo
el único elemento novedoso es la intertextualidad.
La obra más representativa es Luces de bohemia, en donde todos
los elementos intertextuales remiten a una deformación propia del esperpento,
desde la parodia se Hamlet a la propia de las Sonatas, con la
presencia del Marqués de Bradomín. Igualmente, Lorca repite motivos y temas de
su poesía en La casa de Bernarda Alba. O Mihura, que incorpora,
no como elementos textuales, pero sí teatrales, canciones y motivos
cinematográficos ( El relicario, los "gansters" de Chicago" ).
La parodia a la que se someten los textos incorporados en Luces
de bohemia tiene también un valor humorístico, que es una de las características del esperpento. Tres
sombreros de copa es la obra en que el humor está más presente: radica
aquí en lo absurdo de la vida y de los actos cotidianos, al aplicar una lógica
casi matemática, dejando fuera el sentido común. Es un humor muy ingenuo, casi
infantil, que se verá reflejado en la forma de hablar de los personajes.
